Le classicisme hollywoodien

Dès les années 1920, et plus nettement encore au cours des décennies
suivantes, le cinéma américain fut déclaré « classique » en dépit de son
évidente modernité. Ses défenseurs affirmaient ainsi leur confiance dans un
art populaire et neuf, que ses liens avec l’industrie avaient très tôt rendu
suspect aux gardiens de la tradition. Cette première phase de légitimation
passée, ce fut ailleurs qu’on chercha la qualité classique d’Hollywood : dans
la conformité à des normes stylistiques et narratives, dans la structure
économique des studios de l’âge d’or, dans leur puissance d’innovation
esthétique et technologique. À se déplacer ainsi, de génération en génération,
la notion de « classicisme hollywoodien » devenait source de malentendus. Ce
cinéma, d’abord destiné à des millions de spectateurs avides de
divertissement, avait-il vraiment été classique, au sens que l’histoire du
goût donne à ce mot ? Des films soumis à de stricts impératifs économiques,
moraux et idéologiques peuvent-ils devenir des modèles pour penser l’homme et
le monde ? Faut-il entendre désormais que Ford et Hawks sont classiques à
l’égal de Racine ou Poussin ? À partir de ces interrogations, un séminaire
puis un colloque organisés à l’École normale supérieure en 2007 ont réuni des
chercheurs de toutes disciplines, invités à revisiter les grandes
problématiques qui structurent la période classique d’Hollywood : acteurs et
stars, genres, auteurs, fiction, transferts culturels, histoire et idéologie,
évolution du studio system, analyse du style classique et de son héritage. Sur
toutes ces questions, ce recueil ne se veut pas un bilan, mais l’occasion
d’ouvrir de nouvelles perspectives à la recherche en études
cinématographiques, et d’affirmer l’importance historique et symbolique de
l’âge d’or hollywoodien dans l’histoire de l’art, de la culture et des idées.